EL LENGUAJE DEL ESPACIO

                                                                 INTRODUCCIÓN

Un estudio concreto y posterior analisis, tanto de las composiciones como de las formas, sin importar sus caracterisiticas, su naturaleza, o simplemente su manera de "aparecer" o "intervenir en el espacio", hace de la rpesentacion de este documento, una herramienta util orientada hacia una clara comprension y una facil asimilacion de la tecnica, y los procesos correspondientes a la construccion y la obtencion de dichas formas.

Todo lo anteriormente mencionado, solo puede ser posible, si se contempla, se apoya y se confronta bajo la luz atraves de la cual se refleja y se guia laexperiencia, la huella y ellegado de quienes han sembrado y siguen sembrando sin fatiga, y conprofundo acierto una prolongacion o extension material inquebrantable e incorruptible de su vivir y su sentir cotidianos, marcados con renuencia por una gama permanente de contrastes que finalmente hallaron su trascendencia y un lugar postrero en un tiempo sin limite en la imaginacion , que pasa sin mirar atras y simplemente detiene su mirada en el aquel lugar inquieto en donde nacen las vidas que "fluyen de las figuras"

ENSAYOS SOBRE EL ESPACIO Y EL ARTE

(Javier Madheruelo)

CAPITULO I

La postura del artista y su rol como un agente de cambio dentro de su sociedad han sido recurrentes en casi toda la historia del arte universal; es así que diferentes artistas y movimientos, lejos de mantener posturas intimistas, individualistas o complacientes, han tomado parte activa en este desarrollo y cambios de pensamientos en sus sociedades.

corrientes como el post modernismo y la globalización están generando a nivel cultural una serie de repercusiones y vínculos no previstos en su concepción, que muy por el contrario a sus criterios de estandarización como es el caso de la globalización, nos están dirigiendo a una reafirmación de lo particular y propio de nuestros países. En este sentido, el artista necesita reformular sus herramientas y al mismo tiempo complementarlas con nuevos medios para afrontar eficazmente su responsabilidad ante estos recientes esquemas políticos, económicos y culturales.

Posiblemente el primer indicio que nos acerque específicamente a la idea de espacio público nos refiera a Grecia, en las llamadas ágoras o plazas públicas, espacios donde los antiguos griegos se reunían a dialogar, debatir sobre la vida política y comercial de las Polis, y sobre todo donde transcurría, el arte, la filosofía y la cultura. Estas primeras relaciones entre arte y espacio público, evidentemente desde una perspectiva occidentalizada, lo podríamos advertir también en la infinidad de monumentos y principalmente obras arquitectónicas que en el transcurso de la humanidad nos han dejado en evidencia las diferentes civilizaciones.

Los criterios de arte y espacio público adquieren relevancia y sobre todo particular importancia para algunos museos y empresas patrocinadoras, quienes motivadas por su interés en expandir el mercado de la escultura, ven en estas áreas urbanas como plazas, parques y sedes empresariales, espacios potenciales para erigir piezas de arte previamente exhibidas en Galerías y Museos. Es a comienzos de los setentas, que algunos artistas y administradores del arte con un sentido más agudo, señalan la diferencia entre arte público, una escultura en el espacio público, y arte en los espacios públicos más interesados en las connotaciones de la localización o el espacio destinado para la obra

Es necesario indicar que los conceptos de espacialidad, contextualidad e interacción de la obra con el espacio público, también se venían dando paralelamente en algunas experiencias como la performance y el happening. Estas investigaciones han contribuido de alguna manera a sustentar este primer análisis y planteamiento, el cual intenta distinguir que esta serie de procesos han dado lugar finalmente a un medio muy concreto con amplias posibilidades de desarrollo en el plano socio-político, pero sobre todo de gran importancia en la relación arte y espacio público; relación necesaria, podría decirse, como alternativa a los clásicos parámetros de museos y galerías de arte. Si entendemos el espacio público como el lugar o lugares que nos “pertenecen” a todos, por donde transitan cotidianamente individuos heterogéneos, que conviven, participan y gozan De los mismos derechos; no solo debería de presentársenos como una interesante plataforma de trabajo y de interacción directa a través del arte, sino también como un espacio que debería ser visto con cierto respeto y responsabilidad. Asumir el trabajo en el espacio público desde una perspectiva de diálogo y comunicación basada en propuestas de orden político o temáticas sociales, nos comprometen a priorizar los temas de objetivos, antes que solo los criterios estéticos o de catarsis subjetivas.

Entrar al espacio público nos propone justamente no solo pensar en el trabajo a realizar, sino en un análisis previo del sitio y su contexto, es decir, una investigación en los planos que sean necesarios, sean estos históricos, antropológicos, sociológicos o arquitectónicos; esto nos ofrecerá situarnos mejor y sobre todo nos evidenciará la relación de este espacio con sus individuos, a través de sus propios códigos, usos y costumbres. Sean estos espacios abiertos, cerrados, urbanos, no urbanos e incluso virtuales, el conocer previamente nuestro espacio nos permitirá actuar de la manera más pertinente, sincera y eficaz en nuestra labor artística-anónimo de comunicar e interactuar; así mismo, nos dará la posibilidad de usar o crear las herramientas apropiadas que coadyuven a estos planteamientos.

Entrar a un espacio público, invadir o intervenirlo como lo definimos actualmente, nos lleva a pensar en cualquier forma de hacerlo; el ambulante que se sienta en la vía pública a vender, está interviniendo el espacio público; del mismo modo, el indigente que se apropia de un pedazo de vereda para vivir y el dibujante que toma los parques para retratar, están todos interviniendo el espacio público.

Podríamos hacer una lista y hasta clasificarlos, pero no es el caso, lo cierto es que todas estas formas no conscientes de intervenir el espacio público difiere precisamente de la que estoy exponiendo en que la Intervención del Espacio Público es completamente consiente, sistemática y organizada, porque responde a objetivos claros y concretos.

Es un proceso que finaliza en respuestas inmediatas, reflexiones diversas y posibles evocaciones futuras para el público; cruza los límites del arte, se vuelve político, sociológico o antropológico, regresa y se pierde en el anonimato del autor. En el espacio público nadie sabe quién es quién, el artista en un transeúnte más y su obra se convierte sencillamente en el acto cotidiano de comunicar, en el clic que alguien escuchó entre sus pensamientos al pasar. ¿Al final es arte? En todo caso es lo que menos nos importa, más aún si tenemos en cuenta que la gran mayoría no asocia al artista con prácticas políticas o peor aún que no tienen otros referentes más allá de los modelos que muchos medios de comunicación fomentan y que son incentivados por un sistema de consumo que pretende conferirle al arte el sólo y único rol: el de entretener.

Un fenómeno sabiamente crítico, reflexivo y constructivo que conlleve a una búsqueda objetual, conceptual y consiente de un espacio público determinado, debe generarnos y permitirnos una mejor vinculación con la gente desde su propio entorno, en forma directa y sin interferencias,  ampliamente caracterizado y denotado como un instrumento creador y promotor de cambio sociales y políticos en nuestra sociedad.

CAPITULO II

FUNCIONALIDAD DE LA ESCULTURA EN EL ESPACIO

El Concepto espacio se fue elaborando en el contexto de la experiencia humana, es el que ha determinado las diferentes formas de vida desde sus inicios hasta nuestros días; él  ha influenciado y a su vez ha sido influenciado por aspectos políticos, sociales, económicos, culturales, síquicos y otros.

El espacio es un fluido envolvente de infinitas dimensiones que ya existen, medio físico donde el tiempo transcurre en el espacio y éste emerge en el tiempo; es un elemento físico afectivo, simbólico, sensible, expresivo, donde él yo se expresa y se comunica con todos los seres y con el entorno a través del cuerpo propio y de sus sentidos, un espacio eminentemente expresivo.

El espacio es un elemento importante en la vida del hombre, es el que ha determinado las diferentes formas de vida de la humanidad.

El espacio es un elemento afectivo, simbólico, medio de relación, de comunicación, el cual cobra gran valor según su uso y vivencia.

El espacio es la materia prima de toda obra de arte y de todo quehacer.

Se debe considerar al cuerpo propio como un espacio eminentemente expresivo, que está en el origen de otros espacios igualmente expresivos, en los cuales las personas proyectan significancia, es como si el entorno cobrara vida y las cosas tuvieran expresión.

En la experiencia espacial participan todos los sentidos especialmente, vista, tacto y oído.

Siempre que el cuerpo se detenga o se mueva lo rodea el espacio y  todo movimiento tiene su lugar en el espacio, ya sea trasladando el cuerpo entero o partes de él.

El giro artístico de la representación plástica del espacio a su construcción está determinado por las nuevas invenciones de la fotografía y el cine como máquinas de gran precisión visual. Las artes plásticas se liberan del yugo figurativo e ilusionista que habían tatuado a la imagen artística desde la Antigüedad Clásica. La construcción del espacio plástico da plena autonomía a la estructuración espacial, vista desde entonces como una “entidad sensible e intelectual enteramente autónoma”.

Las obras constructivistas en el campo plástico son construcción en el espacio sin utilidad práctica por tanto están ubicadas en el terreno de la reivindicación de un arte puro. La construcción pura y abstracta en el espacio fija el nuevo destino de las artes plásticas, independiente de “la mera reproducción ilusionista de un ’fragmento espacial’. Ya no es reproducción sino construcción, “la construcción dinámica, temporal, de un espacio plenamente autónomo respecto a cualquier referencia previa

La posterioridad temporal del mundo plástico continuaría un ritmo propio. La escultura ayudaría en el proceso de desarticulación del pedestal-soporte  al efectuar la apertura de la expansión formal en la escenografía. Las propuestas plásticas de la segunda década del siglo XX permiten converger en dicha escenografía un conjunto de elementos diversos.

El modo artístico de la instalación procede de ese foco constructivista, pero aquí nos encontramos con el abandono en el quehacer artístico de “cualquier sumisión representativa”; vía directa hacia “la producción de un espacio”: los soportes plásticos tradicionales quedan integrados a los “nuevos” medios expresivos y ahora a los “medios y soportes no plásticos… el lenguaje, el sonido, la gestualidad, la escenografía  

El arte postmoderno en un campo expandido -pues la práctica sigue estando dentro de dicho campo, que relaciona, confronta y disuelve el viejo orden de la vanguardia clásica con su tiempo y espacio autónomos.

El fenómeno plástico es a la vez temporal y espacial (dentro de una contingencia de los tiempos, de los elementos y de los medios) respecto a una crítica de la representación (al tipo de construcción cultural en imágenes, ideologías, símbolos) y a un “pluralismo artístico” que serán ahora los nuevos problemas del arte contemporáneo.

He tratado de precisar lo que considero un aspecto fundamental de la naturaleza plástica: el espacio. Al menos desde el punto de vista artístico, reaparece a pesar de desdibujarse en la insistencia de la temporalidad en el fenómeno artístico. Pasan los siglos y las revoluciones plásticas, pero el misterio del lugar de donde surge el fenómeno aún está por resolverse.

El cambio que marca el nacimiento de un nuevo lenguaje o forma de representación artística en función al espacio que la contiene, está mayormente ligado a una nueva relación entre el artista y la realidad a representar, y entre el observador y la obra. Estos cambios están ligados a acontecimientos históricos que logran cambiar la concepción ideológica de toda una época, sus valores, su forma de vida, y por lo tanto su concepción del arte en tanto forma de representación permanente. La ruptura con el tratamiento clásico del espacio solo puede ser llevada a cabo elaborando un nuevo lenguaje plástico constituyendo una ruptura con el sistema figurativo.

CAPITULO III

DEL CONCEPTO AL ESPACIO

El  espacio  público  juega  un  papel  fundamental  en  la  comunicación  de  los ciudadanos, la inmediatez de la información que presenta facilita la heterogeneidad de discursos en los que se incluyen los artísticos.

El espacio público juega un papel esencial en la comunicación entre ciudadanos, se encuentra, por definición, libre de intereses exclusivos (aunque la  contaminación publicitaria parece atentar contra este punto). Su facilidad y rapidez de acceso permite el intercambio de discursos de distinta naturaleza, forma y contenido.

Si intentamos analizar las manifestaciones artísticas que se han desarrollado y se desarrollan en la calle desde perspectivas globales, nos enfrentamos a la imposibilidad de

 Reducir lo artístico de lo social. Ambos fenómenos se encuentran complementados y difícilmente podrían existir el uno sin el otro, incluso en muchos casos se cuestiona la calidad artística de algunas expresiones, exentas de transferencias retóricas.

Otro  aspecto  a  tener  en  cuenta  es  la  posible  división  de  cada  grupo  de manifestaciones en otros dos subgrupos, según alberguen o no contenido ideológico, pero resulta imposible realizar una clasificación acertada sobre esta cuestión. ¿Hasta qué punto podemos asegurar la total carencia de ideología en una obra callejera? Esta cuestión se utiliza frecuentemente para definir una de las diferencias entre el Grafiti y el Stencil.

Los dos movimientos “artístico-sociales “comparten la ilegalidad, la inmediatez, el uso de aerosoles y el tipo de superficie en donde realizan las obras: muros, aceras y mobiliario urbano, pero al Stencil se le suele añadir la carga ideológica de la que se desprovee al  Grafiti,  quizás por  ser  el  elemento funcional esencial que  provocó su nacimiento.

El  espacio  público  y  el  arte  siguen  formando  hoy  en  día  una  relación  de dependencia mutua en algunas de sus manifestaciones, como son el arte en la red y en los        medios           de            comunicación. Estas manifestaciones habitualmente           contienen     un denominador común: cada vez toma mayor protagonismo en la obra, el mensaje que contiene en detrimento de los valores formales y plásticos que justificaron la mayor parte del arte del siglo XX.

Es a partir de estos espacios que se puede relatar, comprender la historia de una ciudad. Estampas gloriosas y trágicas, antiguas y modernas, se suceden en los espacios públicos de la ciudad.

Un artista que pinta su propia visión de la ciudad y un arquitecto que proyecta una parte de la misma para edificarla, pese a las diferencias verificables entre los estatutos de sus respectivas actuaciones, están recomponiendo un pensamiento crítico que pasa a formar parte de elaboraciones ideales perfectamente relacionables entre ellas. Las opiniones que los mismos expresan respecto al fenómeno "ciudad", constituyen así un lugar efectivo de investigación y enfrentamiento, signo tangible de una comunión de objetivos intelectuales. Muchas veces se ha subrayado que el arte es una actividad marcadamente urbana; no sólo porque en algunas de sus manifestaciones aparece vinculada a aquella burguesía culta y liberal que en la historia ha sido una realidad social intrínsecamente ligada a la aparición de núcleos ciudadanos, sino porque la misma ciudad en algunos momentos históricos se ha destacado, literalmente, como una obra de arte. Y por “ciudad” entendemos una entidad cuyo ámbito de influencia es difícilmente cuantificable, más aún si nos remitimos a las características asumidas por este fenómeno de organización de la vida comunitaria hacia el final del siglo XIX. Por otra parte, la consistencia de sus condicionamientos no es representada sólo por cuanto se percibe físicamente: “Por ciudad no debe entenderse sólo un trazado regular dentro de un recinto, una distribución ordenada de funciones públicas y privadas, un conjunto de edificios representativos y utilitarios. Igual que el espacio arquitectónico, con el cual por otra parte se identifica, el espacio urbano tiene sus interiores;

La arquitectura tiene al espacio como elemento primordial, lo pormenoriza y lo delimita mediante el volumen. Volumen arquitectónico y espacio arquitectónico son independientes, y a veces su sensación y percepción no coinciden. Tampoco siempre coincide el volumen con la forma material que lo delimita, pues varían: la proporción de los niveles interiores; la dimensión visual del color y las texturas; y la dirección de las transparencias.

Un espacio puede ser la extensión del universo donde conviven todos los objetos sensibles que lo componen, el lugar particular único y especial que ocuparán cada uno de estos en el, la distancia  que existe entre dos personas o cosas dispuestas en un lugar específico de un ambiente.

Aunque también el término espacio se utiliza para denominar un sitio o lugar, siendo como consecuencia de esta situación que se use la palabra para referirse a los distintos ámbitos especialmente relacionados con el arte y la cultura en los cuales se congrega la gente para observar, aprender e intercambiar cuestiones que hacen a estas materias y que precisamente se los conoce como espacios de arte o espacios culturales.

REFERENCIA BIOGRAFICA

DE APOYO EN MI TRABAJO ARTÍSTICO

                            HUMBERTO BOCCIONI

(Reggio de Calabria, Italia, 1882-Verona, id., 1916) Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos.

Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

SUS INICIOS: 

Su mas notoria y relevante expresion, adaptada en sus primeras obras, estuvo marcada por el divisionismo, bajo la influencia de Giacomo Balla y posteriormente  de Munch, en movimientos artisticos como el simbolismo y el expresionismo

                                                      

              EL DIVISIONISMO

Es una tecnica pictorica que define y establece la mezcla de los colores en la paleta, aplicandose en pequeñas manchas, colores puros sobre ellienzo,  y que al combinarse opticamente, generan un efecto y sensacion visual muy atrayente, enriquecida y sutil

Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911), pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

                          SU OBRA:

Se desarrolla a partir de dos elementos claves en relacion a su composicion, estos son el dinamismo y la simultaneidad y el tema principal alrededor del cual se cosnstruye y se fundamenta, esta inspirado en la ciudad

En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica. Falleció en Sorte (Verona) el 16 de agosto de 1916, durante la guerra europea (en la que se había alistado como voluntario), a causa de una caída de caballo.

Notable teórico además de pintor y escultor, Boccioni desarrolló conceptos clave para el desarrollo formal del futurismo como el de líneas-fuerza, simultaneidad, compenetración de planos y expansión de los cuerpos en la superficie. Conceptos todos ellos que reiteran una idea fundamental: la reciprocidad de relaciones entre los objetos y entre éstos y el ambiente que los circunda.

Pinturas como las ya citadas La ciudad que surge y La calle ante la casa son encarnaciones de un mismo tema: la ciudad como síntesis de un movimiento vibrante y luminoso. En ambas, el dinamismo está generado por una red de líneas de fuerza que estructuran la composición. La primera está conformada por una tupida red de pinceladas enérgicas, cuyos cambios direccionales enfatizan la sensación dinámica del conjunto. La segunda, sin embargo, es una asimilación de las formas y el espacio a la fragmentación del cubismo analítico. Y es que para el futurismo, el tema es mucho más importante que la forma.Pero donde más se percibe la singular personalidad del trabajo de Boccioni es en el campo de la escultura. A pesar de la escasísima obra que dejó, al morir prematuramente en la guerra, su valor innovador, apoyado por sus escritos teóricos, le coloca entre los grandes padres de la escultura contemporánea.En 1910 escribió el Manifiesto de la escultura futurista, donde puede leerse: "Hay que destruir la nobleza totalmente literaria del mármol y del bronce... el escultor debe utilizar veinte materias diferentes o más aún en una sola obra, con tal que la emoción plástica lo exija." El listado de materiales que a continuación propone incluye no sólo madera, cartón o vidrio, sino otros como crin, cuero, espejos o luz.

Para lograr en escultura esa interrelación de formas entre el objeto y lo que le rodea, sobre la que Boccioni funda la representación dinámica, es necesario materializar la atmósfera. Y, efectivamente, él logra literalmente corporeizarla, como puede comprobarse en Desarrollo de una botella en el espacio (1912) y Formas únicas de la continuidad del espacio (1913), ambas en el Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán.

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra.

1911 - 29 años
 Estados de la Mente: Las Despedidas
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 70.5 x 96.2 cm.
Museo: MOMA. Nueva York

UDAD SE LEVANTA 

ANTA   1907 - 25 años

 Botes en Sunlught

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 45 x 63 cm.

Museo: Colección Privada

1911 - 29 años
 Estados de la Mente: Aquellos que se van
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 70.8 x 95.9 cm.
Museo: MOMA. Nueva York

  1911 - 29 años

 Estados del alma: Los que se quedan

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 70 x 95 .5 cm.

Museo: Museo Palacio Real. 

1912 - 30 años

 Elasticidad
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 100 x 100 cm.

Museo: Pinacoteca de Brera. Milán                     

                                                                                                              1913 - 31 años

 Dinamismo de un jugador de fútbol

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 193 x 201 cm.

Museo: MOMA. Nueva York

1915 - 33 años
 Carga de las Lanzas                                            
Material: Témpera y collage sobre engrudo.
Medidas: 32 x 50 cm.
Museo: Colección Jucker. Milán

1914 - 32 años
 Naturaleza Muerta con Vidrio y Sifón
Material: Collage, gouache y tinta en papel.
Medidas: 31.1 x 21.3 cm.
Museo: Yale University Art Gallery. New Haven

La calle ante la casa, 1911, 

óleo sobre lienzo, 100 x 106,5 cm, 

Hanóver, Sprengel Museum Hannover.            

                                                                                                            

La ciudad se levanta, 1910,

lienzo, 200 × 301 cm, 

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

EJERCICIO Nº1

DESARROLLO DE UNA PIEZA ESCULTORICA

En el proceso de elaboracion de cada una de las piezas que seran objeto de nuestroestudio y encuentro con elmundo de la escultura y partiendo de la arcilla como elemento base y fundamental para esculpir y crear mediante un proceso de "armado", cada una de las partes que componen dichas piezas, es conveniente y necesario llevar a cabo previamente la preparación de la arcilla a base de materiales de carga tales como:  "La arena y el chamote", comúnmente conocido como polvo de ladrillo.

La mezcla o combinación de estos tres materiales:  "la arcilla, la arena y el polvo de ladrillo", se realiza teniendo en cuenta las siguientes proporciones:

• Por cada 2 kilos de arcilla (aproximadamente), agregamos y mezclamos un 20 o 30% de arena = (2 vasos desechables grandes), con un 10% de polvo de ladrillo = (1 vaso desechable grande) y un poco de agua, en caso tal que la arcilla carezca de hidratacion necesaria y suficiente para ser manipulada.
• Mediante un proceso de elaboración de "rollos" , colocamos y rellenamos de arcilla toda la superficie estimada y requerida para la obtención de "la plancha", esta debe quedar totalmente plana.
• Empleando elementos cilíndricos, tales como rodillos y tubos de pvc, se procede a desplazar y expandir la arcilla manualmente,conservando los limites debidamente establecidos según el espacio que previamente se habrá asignado para ella según lo descrito en el paso anterior, hasta obtener una plancha de fina consistencia y de un grosor aproximado de 1.5 o 2 cm de espesor.
• Luego, se procede a nivelar  toda la superficie de la plancha de arcilla, desplazando manualmente una segueta en todos los sentidos y abarcando todas las áreas correspondientes de la misma.
• superado este paso, solo resta pulir dichas áreas, con el "envés" de la segueta o una "llana", para obtener mejores resultados logrando así un mejor acabado en la superficie de la plancha.

Nota:

“Un par de “marquetes” de madera dispuestos ligeramente sobre una superficie plana,  facilitaran la obtención de la plancha de arcilla, determinando su grosor y limitando el espacio ocupado por la misma después de ser esparcida uniformemente con el tubo o el rodillo”

 

REPRESENTACIÓN FINAL DEL MODELO ESCULTÓRICO

 


 

EJERCICIO Nº2

TRABAJO FINAL

PROPUESTA  ARTÍSTICA  BAJO EL CONCEPTO DE “ENSAMBLES”

MATERIALES:

·         LAMINAS DE TRIPLEX

·         MADERA

·         PEGANTE

·         PINTURA BLANCA, NEGRA Y GALVANIZADA

·         UN LAPIZ

·         UN METRO

·         PINCELES

·         UN TUBO METALICO

·         DOS BOLAS DE ICOPOR (Pequeñas)

·         UN LET (Bombillo pequeño de linterna)

·         HERRRAMIENTAS DE CORTE (Para la madera)

·         TALADRO MANUAL

PREPARACION DEL TRIPLEX

Se toman seis pedazos de lámina de 15 x 30 cm. Aproximadamente, luego se cortan y posteriormente se humedecen durante unos 5 o 10 minutos, con el fin de facilitar su curvatura y una mayor resistencia  del material en el momento de ser forzado con la prensa. Las seis laminas deberán ser adheridas entre si formando dos placas de tres cada una.

FASE DE PRENSADO

Culminada la fase de adhesion de las laminas y obtenidas finalmente las dos placas correspondientes, se colocan cada una (individualmente) sobre la prensa y manualmente se va ejerciendo presion sobre los extremos de las mismas hasta obtener la curva deseada

Sujetar fuertemente con lazos o cabuyas, los extremos de ambas placas, e sun recurso opcional y adicional, conveniente para  generar una mayor y permanente estabilidad de la curva descrita sobre las placas despues de ser prensadas.

A la par con el prensado de sus extremos, y haciendo uso de la plantilla correspondiente, es tambien necesario procurar prensar simultaneamente las superficies de las placas sobre el lado a partir del cual quedara finalmente elevada y descrita la curva deseada, este mecanismo alterno de prensado se realiza con el fin de proteger las placas evitando asi  una posible fractura o ruptura del material durante la fase de prensado.

FASE DE TRAZADO Y CORTE

prensadas cada una individualmente, y transcurrido un lapso de tiempo equivalente a 10 o 12 horas, (con el fin de generar un alto grado de estabilidad y consistencia en el curvado de las placas), se retiran posteriormente de la prensa, retiramos los lazos o cabuyas que las sujetan  y seguidamente, procedemos a tomar las plantillas o matrices para transcribir sus formas sobre dichas placas y luego se cortaran siguiendo la guia descrita por las lineas de trazo.

PRUEBA DE ENSAMBLE

Finalizado el proceso de corte en ambas placas, procedemos a ensamblarlas en sus extremos

Es necesario perforar con un taladro una de las dos placas de madera, en su  extremo más ancho, realizando un corte longitudinal de 12 cm aproximadamente sobre este corte ira adherida una pestaña de madera que facilitara el ensamble de ambas placas (previamente unidas entre sí)   sobre una superficie esférica 

CONSTRUCCION DE LA ESFERA DE MADERA

Tomando un cubo de madera de aproximadamente 15Cm de lado, ubicamos la pieza en un torno y se procede a desvastar cada una de sus aristas girando la pieza lentamente y en forma circular, hasta obtener una forma como esta:

De igual manera, esta esfera tendrá dos perforaciones en sus extremos, un corte longitudinal, en la parte superior que servirá de apoyo para el ensamble de las dos placas curvas de madera y un orificio en su parte inferior para ser ensamblada con el tubo metálico que unida posteriormente a una base de madera, servirá finalmente de soporte.

BASE  DE MADERA

Tomando un pedazo de madera procedemos a cortarlo y pulirlo  con una medida de 15 cm de ancho x 3cm de altura aproximadamente

Después de ser cortado y pulido se perfora en el centro y sobre dicho hueco ira adaptado o ensamblado el tubo metálico

FASE DE ACABADO

Representación final de las placas curvas de madera, después de ser aplicadas varias capas de pintura sobre su superficie incluyendo filos y orificios

ACABADO FINAL DE LA ESFERA

Decoracion en papel del elemento apartir del marco conceptual atraves del cual se argumenta, se sustenta  y se complementa el contenido de la obra

REPRESENTACIÓN FINAL DE LA OBRA

(PROPUESTA ARTÍSTICA)

  

   

MARCO CONCEPTUAL DE ESTA OBRA

 TITULO:   "CONEXIÓN ILUMIN - HOMBRE"

El hombre sin nombre, emerge, sin saberlo, dominado por arraigos y  ataduras que lesionan su vida y su conciencia., su ser está supeditado  a las falsas verdades que el mundo le ofrece y le revela. Es esclavo de sí mismo, y su coraza, reviste la superficialidad y rigidez en la que posan sin excepción, todas  sus debilidades disfrazadas de aparentes fortalezas.

El hombre sin nombre,  profana su esencia, viola su propia intimidad,  es criatura superflua sin luz en su interior,  es una especie dócil  ante la cual su ser se torna vulnerable y corruptible, mientras su vida frágil pasa de largo y sin detenerse,  por el  embrujo de un ritmo ensoñador, una danza de placeres mentirosos, cargados simplemente de ilusiones. Sin límites,.. Una conciencia sin objeción, un ente sin corazón.

El hombre sin nombre en su interior, está preso en sus vacios inconscientes, su ser encuentra una barrera impoluta alrededor de la cual, no hay vida, no hay tiempo ni lugar, solo se refleja el rígido y tozudo contraste de un espacio estéril, agreste y terrenal, ajeno a lo puro y lo divino, a lo pleno y celestial, allí,. Solo emergen las raíces del pasado y del presente de los seres sin almas, aferradas sin semillas de paz y de libertad.

Solo la carne es luz,  mientras el alma es sombra, aunque brilla el firmamento, pues del cielo es su raíz, y su estirpe de allí desciende como una lluvia de estrellas al encuentro con lo humano, para buscar refugio en la conciencia despierta,  en donde lata un corazón, y solo para vivir,  exista una razón.

En una conciencia “sin conciencia”, el alma solo podrá entrar para brillar por su ausencia,  porque se vive, muriendo a cada instante, solo rastros de aridez,  revisten la existencia de una “supuesta  vida en medio de la muerte”, y aniquilan la esencia de los pasos y las huellas de una vida  que “no es vida”,  de una vida sin camino, tan solo un muro,.. Anclado con firmeza en el ego de la más profunda auto idolatría en donde nace una energía, que lo enlaza y lo conecta más que con mundos nuevos,.. Con experiencias ambiguas, con dimensiones fugaces,.. Tan solo, la conquista de lo incierto es lo único seguro, pero todo es limitado y pasajero, se ha puesto en escena la crudeza de un  espíritu inmóvil, en un estado de shock,  tan lejos y tan cerca del cielo o del infierno, De la gloria o la desdicha, del bien y del mal, de la vida y de la muerte. Un corazón de piedra tiene finalmente la palabra y el poder de decidir, si la vida prevalece y si se rompen las cadenas.

El orgullo del hombre,  más que una sombra pasajera, es la tiniebla letal y absoluta de su ser,  ante ella, La energía que ha tomado de la tierra, Olvidando la del cielo ha provocado un cortocircuito,.. En su manera de sentir, y de adaptarse al mundo, y conocerse a sí mismo. Un mundo, que no le pertenece y del cual tendrá que partir si quiere evolucionar y trascender a plenitud, Ser luz, es despertar, ser luz es fluir,  cuando el alma vibra,  morir es vivir.

Ser parte de la naturaleza, No implica doblegarnos, ni dejarnos someter por ella, la tierra es solo un escombro,  un escombro calcinante que con su fuego seduce. Y nos ata desde sus entrañas, lluvia de fuego en medio de un abismo abrazador. Solo la gravedad del alma yerta, Flota allí,  verosímilmente mercenaria, intangible y disipada, en donde la conciencia aun no despierta, se consume, se flagela,  y se aparta sin razón de la verdad.

La misma que siempre pasa ante él y ante sus ojos, desapercibida, una verdad, que excluida de sus entrañas ha generado el vacio, ha desatado el choque y ocasionado la ruptura con sus propias opresiones, con su amor propio, su vida misma y el poder del Creador.

Una vida dominante de un espacio, pero ajena y distante a su propio mundo interior se expande y se extingue hasta engendrar una forma, en donde nace la presencia de lo humano, pero yace la fuerza interior, bajo el halo de una sombra que emerge de la nada, de lo incierto, de un grito reprimido y ahogado en el silencio de un ente, de un tu y de un yo, apartado de sí mismo, solo el espacio vacío y sin retorno sobrevive para abrazar su desnudez, la anatomía de un ego, acorazado en un cuerpo de intransitable riqueza, tan solo abandonado en su presente, en su momento,. Inmerso en un estado de su naturaleza, corroído de carencias, abraza su devastada desnudez,  árida y brusca tras la espera de un “muerte viva”, que anuncia su llegada, pasajera y huésped a la vez, Invisible e intangible de un estado del alma, que divaga en su mundo sin razón ni libertad.

¡Oh, cegadora oscuridad, que irónica, dibujas con tus sombras, la apariencia de un reflejo, y esculpes la mirada sin luz de un destello carnal que poza sin rumbo, sin sentidos ni conciencia, ante el preludio de una mente sin dueño ni destino, en donde solo vive la zozobra y solo habita la impotencia, vulnerable a la frialdad de un mundo ajeno, . Que no le pertenece y le ha robado su esencia, y despojado de su dignidad, allí, su cuerpo se manifiesta ocupando un lugar que lo domina, lo desplaza y lo margina. Su expresión, parece esgrimirse sin reservas en la afluencia innata y concurrente de un silencio “en movimiento”, y prisionero en las querellas de su estirpe, libido raudal de consuelos sin caudal, vulnerables y furtivos, provenientes de un mundo susceptible a la razón, su esencia, radica en su deseo mas intimo de sentirse vivo, valorado y descubierto en nuevas dimensiones en donde solo el pretende imperar, regir y conquistar, olvidando  la influencia y el poder  celestial que sobre el recae y es superior a sus fuerzas.